Pourriez-vous vous présenter, François Grivelet ?

     Je suis artiste-photographe, je réalise aussi des films et je m’occupe de la direction photo d’un magazine papier : Gonzaï Magazine.

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Quel a été le déclencheur de votre passion pour la photographie ?

        À l’adolescence, en découvrant la street-photography américaine des années 70 et la photographie japonaise de la même époque. Je suis parti aux États-Unis, à New York, pour étudier le cinéma et la photographie au Brooklyn College. Mais j’ai passé bien plus de temps dans la rue à faire des photos, à traîner à la bibliothèque de l’ICP et à expérimenter dans la chambre noire de l’université (où je dormais parfois !). Cette période d’apprentissage exaltante a été capitale dans mon parcours, et a renforcé ma résolution à développer un mode d’expression propre en photographie. 

Avec quel appareil photographique travaillez-vous, François Grivelet, et surtout de quelle manière travaillez-vous vos photographies pour qu'elles aient cette esthétique si particulière ?

        Je travaille avec toutes sortes d’appareils, d’outils et d’associations de techniques, analogiques et digitales. J’effectue tous les travaux chimiques et de postproduction moi-même, c’est un facteur crucial de mon processus de création. Tout aussi important, si ce n’est davantage, que la prise de vues. Je travaille sur des techniques alternatives, pour ne pas dire ‘‘déviantes’’. J’essaie en permanence d’attaquer, de faire vaciller la nature même de l’image photographique, de son support physique. D’ailleurs je considère que je produis des images, des anomalies, et non des photos.

Expliquez-nous la genèse de cette série ?

      Une des spécificités de cette série est que je compose les images après la prise de vue et le traitement chimique. J’accumule d’abord un large matériel, de façon assez aléatoire, quotidienne, sans me soucier des sujets. Puis, à partir de ce matériel, et de ce qui ‘‘survit’’ au traitement chimique, je recadre et compose des images, des paysages, des sensations, parfois des portraits. J’essaie de proposer une vision. Ces images ont toutes été produites à partir d’un stock de pellicules périmées depuis les années 80, acheté dans une boutique d’électroménager en faillite, à Lourdes. Il a fallu ‘‘dompter’’ la très faible émulsion restante sur les films, et trouver des moyens de la révéler, de collaborer avec cette matière fragile. Quand le stock sera écoulé, ce travail en sera terminé, c’est une limite matérielle : je devrais alors chercher de nouvelles techniques.

Qu’elle est la place de cette série par rapport à l’ensemble de votre production photographique ?

         C’est une série importante, car elle m’a forcé à changer radicalement de méthode et de mode d’approche. Les limites du visible engendrées par la fragilité du support m’ont contraint à réapprendre à voir, à développer une approche plus picturale, à me débarrasser de mes vieilles habitudes. Cela a aussi cristallisé, je pense, la direction dans laquelle je souhaite inscrire mon travail à venir. Une photographie plus plastique, abstraite, picturale. Qui se rapprocherait davantage de la peinture et se désisterait au maximum de sa valeur documentaire, de toute anecdote. Cette série précède, je l’espère, d’autres travaux et recherches qui s’inscriront dans cette direction. Pour finir, cette série fait aussi le lien avec mon travail précédent, Hassles (qui fera l’objet d’un ouvrage), et un prochain, en cours, In the light of the Miracle.

Connaissez-vous des artistes anciens et contemporains qui ont travaillé cette dimension expérimentale dans la photo ?

           Dick Braeckman est une référence, et une influence esentielle pour mon travail, il a montré la voie. La nouvelle scène japonaise également (Daisuke Yokota, Sakiko Nomura, Hiroshi Takizawa, Takashi Kawashima…), Stephen Gill, Alexander Bilder, Anthony Cairns, Arnau Blanch… Chaque jour de nouvelles maisons d’édition et de nouveaux photographes passionnants émergent et s’emploient à emmener la photographie vers une approche plus expérimentale.

Quelles sont vos sources d’inspiration, quelles qu'elles soient, tant photographiques que cinématographiques, tant musicales que picturales, voire même littéraires, en un mot, artistiques ?

      Je suis autant influencé par la littérature, le cinéma la peinture, la musique... Je suis influencé continuellement par ceux qui m’entourent. Cette série s’intitule « alt/take », qui est un terme technique plus spécifique à la musique et qui consiste à repenser, porter un regard différent, alternatif sur une prise, un morceau ou un enregistrement. J’ai essayé d’appliquer cette idée à la photo, et cela a été le « leitmotiv » de cette série.  De fait, la musique expérimentale (Sun Ra, Brian Eno, Arthur Russell, Can, Section 25, Psychic TV, Gas…) a une profonde influence sur mon travail. J'en écoute en continu, en prenant des photos, en post-produisant mes images, dans le labo. Dans sa dynamique expérimentale, la musique est le médium qui se rapproche le plus de mon approche photographique, en termes de sensations.

François Grivelet, exprimez-vous votre sensibilité d’artiste seulement par la photographie ?

        C’est pour moi le médium le plus évident, le plus accessible, de par son intuitivité, son coût faible et ses possibilités infinies. C’est une pratique plus solitaire, qui permet l’introspection. J’écris et développe aussi des films, mais c’est un processus différent, qui s’inscrit dans le temps, et me permet d’exprimer des idées complètement différentes. Ce sont des pratiques complémentaires. La photographie est, pour moi, un travail axé davantage sur l’image elle-même, sur la forme, que sur le discours. La photographie est un travail quotidien, qui me permet de prendre du recul, de tenir à distance certaines choses et… …d’être constamment occupé !

Comment définiriez-vous votre style photographique propre ?

         Je ne pense pas qu’un artiste devrait jamais définir lui-même son style où la manière dont le public doit l’approcher, c’est un peu suspect. C’est le boulot des critiques, et ils le font avec plaisir, vous pouvez me croire !

Où avez-vous déjà présenté votre travail ?

         Dans la presse, des magazines et des livres. Aussi quelques expositions, mais c’est assez rare. Je me sens plus proche du livre que de l’exposition, c’est un médium où je me sens plus… confortable. L’exposition doit être le moment d’une proposition marginale, performative. C’est plus difficile, cela nécessite d’autres moyens. Accrocher de jolis tirages fine-art sur un mur m’ennuie. Pour alt/take, j’ai eu une intuition, la série colle avec une idée que j’ai en tête depuis longtemps, un peu dans l’esprit de la galerie CAMP, où Keizo Kitajima saturait l’espace de tirages, les révélant en projetant du révélateur sur les murs tapissés de papier. J’ai voulu essayer de proposer un accrochage radical, proche du happening, à l’opposé des accrochages fine-art traditionnels, en remplissant les murs de l’école d’images en noir et blanc. Ces images ont été tirées avec une machine industrielle à plans, et se présentent sous la forme d’une frise, sans séparations, pour permettre une immersion totale dans la série et s’adapter au lieu d’exposition, qui est un lieu de « passage ».